Conociendo el personaje de Drácula


Drácula es un personaje que todo el mundo conoce, curiosamente incluso muchos saben quién fue su autor: Bram Stoker. Lo que no es curioso es que esto sea gracias al cine y la magnífica adaptación de 1992 de Coppola que incluyó el nombre del escritor en el título *Drácula, de Bram Stoker*, película que ya analizaré próximamente.Sin embargo un porcentaje ínfimo habrá leído la novela, como suele ser habitual, tampoco voy a decir lo contrario.

https://www.youtube.com/watch?v=ks5xLFSxca0
Esta obra es especial porque en ella sucede algo muy raro: ”el personaje cinematográfico es mejor que el literario”.  Para poder entender está arriesgada afirmación debemos tratar antes muchos temas, por ello voy a dedicarle una serie de videos en los cuales voy a hablar tanto del personaje como de su legado y adaptaciones… Incluso de ciertos vampiros que brillan al sol que se hicieron muy famosos y, aunque os cueste creerlo, explicaré porque no son tan malos como pensáis.
Primero debemos tener una visión global para poder ser conscientes del verdadero impacto que tuvo.Se publicó en 1897 y la idea de un humano convertido en monstruo que era un gran señor con grandes riquezas y podía caminar entre nosotros era algo nuevo.  Además es destacable el hecho de que era un Conde, recordemos que antes no se concebía que un “gran señor” fuese un delincuente y menos aún un vulgar asesino; eso siempre se decía que era de clases bajas, un “señor” no podía cometer tales bajezas.
Pero no solo por presentar un monstruo novedoso se hizo famosa esta obra, además la novela está magistralmente narrada y la narrativa en forma de diarios le da una agilidad que, incluso a día de hoy, encajaría a la perfección.  Antes era muy común encontrar diálogos interminables que parecían monólogos encadenados.  Frases rimbombantes y que durante decenas de páginas no hacían que se avanzase en la trama.  Algo que hacía imposible no ya empatizar con algún personaje sino que un lector actual muchas veces se perderá y no sabrá ni por donde va, incluso no sabrá de que están hablando o quién lo está haciendo.  Un ejemplo que me gusta utilizar sobre esto es: “El Conde de Montecristo”, con una magnífica historia y unos diálogos interminables.
En cuanto abrimos el libro y comenzamos a leer la forma que tiene de introducirnos en este mundo es digna de estudio; con el uso del diario logra una proximidad imposible de conseguir de otro  modo.  La narración del viaje, la interacción con los lugareños, las anécdotas sobre recetas de comida, tradiciones y el folclore hacen que nos pongamos en la piel del protagonista desde las primeras páginas.
Mediante estas descripciones crean un ambiente de peligro constante que logra agobiarnos.  Pero no vemos ningún peligro, sin embargo, sabemos que algo contra lo que no podemos hacer nada nos controla.
Además mediante el uso de los diarios tenemos dos realidades, la nuestra que dejamos apuntada en nuestro diario personal, con lo cual enseguida nos identificamos con el desdichado protagonista y lo que vamos contando a nuestra prometida, para no asustarla y afianzar en nosotros aún más la certeza que tenemos del peligro y la inminente muerte del protagonista.Ver así las dos realidades no hace más que ayudarnos a meternos en el papel, en sentir el poder y peligro que emana Drácula y la claustrofobia de un castillo enorme por el que podemos movernos libremente, pero del cual nos es imposible escapar.
Esta introducción es crucial, en ella descubrimos que Drácula es más que un humano aunque no sabemos que puede ser.Poco a poco vamos recopilando datos y escenas rocambolescas; como un día que vemos como una aldeana llega desesperada llorando al castillo pidiendo que le devuelva a su bebé. A eso le sumamos los recuerdos de lo que nos contaron los aldeanos, el miedo que tenían al Conde todos con los que nos hemos cruzado, especialmente la aldeana que en una posada con lágrimas en los ojos nos dio su crucifijo para protegernos del mal al que nos lanzábamos.
Han sido pinceladas dadas con calma las que han terminado de dibujar un magnífico cuadro de terror en nuestras mentes.
En nuestra estancia en el castillo, conviviendo con  él, vamos fijándonos en detalles para intentar descifrar su misterio.Nos percatamos de que nunca lo vemos de día, que el castillo está deshabitado, cuando comemos nos acompaña pero no come nada, al entrar en nuestro cuarto mientras nos afeitábamos no vimos su reflejo en nuestro pequeño espejo y al día siguiente no conseguimos encontrar ningún espejo…
Son detalles que se van clavando en nosotros y poco a poco van generando una tensión que nos obliga a seguir leyendo para saber que sucede.A día de hoy muchos pueden desdeñar esto, pero recordemos que la novela tiene más de cien años, ¿imagináis la impresión que debió causar en aquella época?  Sobre todo porque nosotros enseguida decimos *bueno, otro vampiro*, pero en aquella época nadie conocía a estos seres, fue esta novela la que creó este mito.  Por mucho que lo intentemos, nos es imposible imaginar la conmoción que causaría esta novela en una persona que jamás haya conocido el mito del vampiro.
Cuando nos atrevemos a seguirlo para descubrir su secreto solo sirve para empeorar nuestros temores.Vemos como sale por su ventana caminando como una lagartija por la fachada del castillo, nos percatamos de su fuerza desmedida, el poder que muestra tener sobre los lobos; no somos conscientes todavía de la clase de monstruo que nos tiene a su merced.Y al encontrarnos con las tres mujeres y ver como devoran un niño pequeño entregado por el Conde hace que finalmente perdamos la cabeza ante tal crueldad y poder.
Pero si esto fuera poco, mediante las conversaciones con el Conde que duran toda la noche vemos además una gran inteligencia, sagacidad para los negocios y una brillante estrategia.Se asegura de que nadie pueda saber todas las posesiones que tiene, las viviendas que compra, la logística que crea para que no se sepa lo que envía y quien lo recibe.  Dejan claro que no es solo una persona con poderes sobrehumanos sino aún peor, con grandes poderes y una inteligencia a la par.
Sin embargo cuando se traslada a Londres Drácula desaparece, se convierte en una sombra omnipresente que acecha pero nadie consigue ver.La forma utilizada de contar la historia con múltiples protagonistas es, simplemente, genial.  Mención especial hay que hacer al interno del psiquiátrico mediante el cual podemos ver la influencia que tiene Drácula sobre un humano, como se desea tener ese poder y se está dispuesto a realizar cualquier cosa para que nos acepte como sus discípulos y podamos tener una mera fracción de dicho poder.
Los diarios y la correspondencia de las dos jóvenes, la huida del castillo del Conde Drácula del que, hasta ese momento, considerábamos el protagonista, las desapariciones de niños que nos muestran los periódicos… Son pequeños fragmentos que construyen un mundo entero a nuestro alrededor, un mundo de terror como no se había visto hasta la fecha.
Este es el segundo tercio de la novela, donde además conocemos el personaje principal, la némesis que puede derrotar a Drácula que no es otro que el profesor Abraham Van Helsing.  Un anciano profesor que es el único capaz de ver las señales de Drácula en todos los actos extraños y enfermedades que le rodean: un estudioso, erudito, profesor…. Es muchas cosas pero no ese guerrero saltarín de poca monta que nos muestran las últimas entregas de cine y series, de las cuales ya hablaré ya, estar seguros de ello.
Además la forma de conectar a todos los personajes también es digna de mención porque al final, en una enmarañada telaraña todos los personajes están relacionados de una forma u otra.Esta parte, el nudo de la trama, nos engancha incluso más que la presentación donde conocimos al Conde.  La sombra de Drácula presente en todos los actos es mucho más estremecedora que el encontrarlo de frente.
Gracias al profesor vamos conociendo sus puntos débiles y sus poderes a la par que comprendemos la magnitud de a lo que nos estamos enfrentando.Nos muestra, en casos prácticos, como los objetos sagrados le dañan y esto lo hace poco a poco con escenas magistralmente creadas para tal efecto; especialmente importante es la escena del cementerio con la primera chica a la que Drácula convierte en una de sus mujeres en Londres.
Para proteger a las jóvenes que son víctimas de los mordiscos de Drácula les coloca ramos de ajos en ventanas y coloca crucifijos. Y cuando una de ellas se convierte en un ser de la noche vemos la forma efectiva de cazarlos para poder darles descanso eterno liberando su cuerpo de esa posesión demoníaca y que su alma pueda descansar en paz.
Drácula se convierte en niebla para desplazarse sin ser descubierto, también puede transformarse en animales como un murciélago y controlarlos como hace con un enorme lobo del zoológico o controlar miles de ratas tanto para defender sus territorios como para atacar.
Todo el folclore que conocemos de este personaje está sacado de esta novela: Que necesita descansar en la tierra donde fue sepultado, su poder de hipnotizar y controlar las mentes de las personas, el dominio sobre los animales, convertirse en niebla y otros animales así como sus debilidades por los objetos sagrados.  Fragmentos de todo esto se ha ido utilizando en las innumerables versiones que han ido saliendo, pero siempre han querido potenciar unas y olvidarse de otras para darle un toque único… Y esto es comprensible porque el personaje tiene muchas carencias.
El último tercio de la novela, la persecución de Drácula por así decirlo no es lo peor de la novela.   Es que sobra, es soporífero… Es El Conde de Montecristo con unos diálogos interminables, parrafadas de varias páginas que no aportan nada y una sensación de *por dios que esto termine ya* que dan ganas de cerrar el libro y olvidarnos de él.¿Cómo es esto posible?  Porque el personaje es demasiado bueno, no solo demasiado bueno sino perfecto.Tenemos un Conde con grandes riquezas, capaz de controlar la mente de las personas, inmortal, con una fuerza sobre humana, puede convertirse en niebla o murciélago que sepamos además de ser capaz de controlar animales para defenderlo, ¿cómo narices puede unos meros mortales matarlo?
En esta última parte se le intentan buscar debilidades… Es un villano por lo que su mente es egoísta,  infantil y cometerá errores ¿cómo?  Si al principio de la novela se alabó su inteligencia y genio estratégico, ¿ahora es infantil y caprichoso?  Consiguen santificar todos los cajones de tierra que llevó Drácula a Londres excepto uno, que utiliza para huir por barco de nuevo hacia su Castillo en Transilvania.Ahí vemos que incluso es capaz de controlar el clima para hacer que el barco llegue antes de tiempo a su destino y no tenga ningún contratiempo por culpa de alguna tormenta.  Su poder es aún más grande de lo que creíamos en un primer momento.
Como es lógico no se pueden enfrentar directamente a Drácula, cualquier combate sería algo ridículo, por lo que tras unos cientos de páginas que se hacen eternos logran derrotar a los gitanos que se encargaban de trasladar el ataúd a su castillo y justo antes de que se oculte el sol consiguen acabar con él.
Es un desenlace pésimo, una narrativa sobrecargada que no aporta nada y un final que todos imaginábamos para el villano….  Pero no podía ser de otra forma; se podía haber acortado, hacer unos diálogos menos pesados, su mayor fallo es intentar alargar demasiado el desenlace para dotarlo de mayor dramatismo.
Pero no puede haber otro final porque un mero ser humano, incluso una docena o un centenar de ellos nunca podrían presentar batalla ante un monstruo tan magistralmente creado.  Es lo que se suele conocer como *muerte por éxito*, ha sido tan bueno creando el villano que ahora resulta imposible derrotarlo de una manera creíble.
A nivel cinematográfico, de las antiguas, creo que la que representa más fielmente esto es la de 1931.  Aunque claro, a nivel interpretativo deja bastante que desear porque tanto el miedo, como el control mental, el suspense.. lo representan abriendo los ojos todo lo que pueden sin que se le salgan de las órbitas.Pero el entorno y la atmósfera lo hacen lo mejor que pueden; si menciono esta versión es porque incluye el loco que utiliza Drácula para realizar sus experimentos de subyugación, algo que las demás versiones obvian por considerarlo un mero papel secundario sin importancia y, a mi modo de ver, es fundamental para la trama.
Esta es la introducción, un pequeño repaso a la novela, su desarrollo puntos fuertes y flojos.En próximos videos iremos ahondando en algunos aspectos claves y analizando alguna película o serie que considere no ya buenas, sino importantes por aportar algo especial.

¿Qué es el cine?


El cine se ha utilizado para muchas cosas: ha concienciado sobre enfermedades, desastres naturales, contado la historia de países o personajes famosos e incluso se ha imaginado el futuro.
Pero si reducimos el cine a su mínima expresión, nos quedamos con que el cine debe entretener.
https://www.youtube.com/watch?v=ykM2UtvLSGM
Desde sus inicios este concepto estuvo claro, su máximo exponente fue Georges Méliès que con su prodigiosa imaginación creó cientos de películas con unos recursos mínimos; siempre tuvo claro que lo importante era crear una película original, que entretuviera al público.

A día de hoy, sin embargo, parece que este concepto se ha corrompido y la industria ha cambiado el fin de “entretener” por el de “avasallar con efectos especiales”.
El increíble avance que ha tenido la tecnología ha hecho que las grandes productoras consideren que si en una película no hay grandes explosiones, persecuciones vertiginosas y un sinfín de escenas ridículas que no aportan nada a la película salvo un “queda chulo” dicha película fracasará en taquilla y no merece la pena ni hacerla.
Da igual que la escena quede ridícula, una balsa de remos de madera en medio de un tranquilo lago…. Llega un monstruo marino misterioso, le da un mordisco a un remo y explota la balsa como si fuese un galeón cargado de pólvora, porque sí, porque tiene que explotar y sino es un bodrio de película; lo realista es aburrido.

Por supuesto siempre hay excepciones, honrosas excepciones incluso habría que decir. Por eso creo que es necesario recordar una magnífica película injustamente olvidada que refleja el ridículo al que ha llegado tanto la industria del cine como la ceguera que tenemos los propios consumidores.
Una película que me atrevo a decir que todo el mundo debería ver, por lo menos dos veces: una por simple diversión, porque es una película muy divertida; y una segunda vez para detenernos en los detalles y comprender todo lo que nos quiere enseñar.

Aunque imagino que la mayoría no sabréis de que película estoy hablando se trata de: “Rebobine por favor”, una película del 2008 que hace del absurdo su bandera con tal desparpajo y a la vez seriedad que me resulta imposible no considerarla una obra magistral.

Desde el primer momento dejan clara la misión de la película: criticar la industria del cine y dedicarle un minuto de gloria a una industria que ya dan por muerta.

La mejor forma posible era ambientar la historia en un videolcub “de los de antes” de cintas VHS del cual es propietario un hombre mayor que recibe la noticia de que su edificio va a ser demolido “para dar paso al futuro”.
Si quiere conservar el negocio debe hacer frente a unas caras reformas; para ello decide actualizar su negocio y emprende un viaje en el que ver como funcionan los videoclubs actuales y que ofrecen para ser exitosos.

Para ello deja al cargo a su empleado, un joven responsable que tiene un amigo alocado al cual dió claras instrucciones el propietario de que no le permitiese entrar en el negocio.
Debido a un accidente absurdo, perfecto para dejar claras las intenciones y el enfoque de la película, se borran todas las películas.
Digo que este accidente es absurdo y a la vez perfecto porque la solución que encuentra el chico que quedó a cargo de la tienda es filmar las películas que tenían en el videoclub con su amigo y sus propios medios de forma rápida para salir del atolladero.

Con estos antecedentes ya podemos dejar por completo el argumento e historia de la película e ir al mensaje que se nos quiere dar, que es lo importante.
Con ingenio, recursos al alcance de cualquiera y sin nada de vergüenza filman las películas más famosas en unas pocas horas.
Las películas comienzan a ganar popularidad entre la gente del barrio: son originales y divertidas. Algo nuevo a fin de cuentas y la gente lo quiere.

Por un lado podemos ver como al ponerse algo de moda todo el mundo lo quiere, no saben si les va a gustar, pero como alguien dice que está muy bien nadie quiere quedarse fuera y comienzan las largas colas; incluso gente que viaja de propio durante horas para poder tenerlo.
La actitud de las personas también cambia, ahora son estrellas y la fama se les sube a la cabeza.
La solución es la típica en la industria…. Para poder hacer más películas bajan la duración de las mismas, les ponen menos cuidado y se duplica la producción. Algo que comenzó para solucionar un problema se ha convertido en un lucrativo negocio, al final todos somos humanos.

Por otro lado el viaje del propietario nos muestra la versión moderna del negocio y la actualidad, los enormes videoclubs de DVD con estantes repletos de copias de la misma película, dependientes que no tienen ni idea de la historia del cine, son meros dependientes que lo mismo les da alquilar una película que vender una bolsa de patatas.
El cine ya no es arte, es comercio al por mayor, igual que los videoclubs ya no son esos lugares de encuentro de amantes del cine, donde podías hablar con el dependiente sobre películas, directores, las novedades que van saliendo… Todo eso es cosa del pasado e intentar recuperarlo es una misión imposible.

Cuando se unen los dos caminos: el de los aficionados que filman las películas de nuevo y el propietario que regresa de su búsqueda vemos la cara real de la industria.
Han sido demandados por los estudios cinematográficos por utilización de marcas registradas. Da igual que ellos sean los actores, directores, equipo técnico y que sean versiones cortas hechas por aficionados; han utilizado marcas registradas y todas sus películas deben ser destruidas y ellos tienen multas millonarias.

Como broche final, siendo fiel a su espíritu de mostrar la realidad de la industria, tienen un final acorde a esta misión.
Son conscientes que no pueden salvar el edificio, que van a perder el videoclub y que es ridículo intentar luchar contra las grandes multinacionales.
Pero se lo han pasado muy bien haciendo esas películas, el barrio entero estuvo unido mientras las filmaban y eso no puede quitárselo nadie por lo que deciden filmar entre todos la película que cuente la historia del barrio, esa historia que siempre contaba el propietario del videoclub y que tanto le gusta recordar.

Hacen un esfuerzo y cada uno aporta lo que puede: hacen de actores, crean vestuario, construyen grúas para las cámaras y así tener distintos ángulos…
Todo el barrio se une en un objetivo claro y común entre todos, simplemente porque disfrutan haciéndolo, porque el cine se ha convertido en algo importante para ellos.
Nunca hicieron grandes producciones ni tenían buenos guionistas, actores y desde luego sin grandes efectos especiales.
Pero era suyo, lo creaban entre todos y eso les unía. Ese era el espíritu inicial del cine, algo que hace ya mucho se perdió.

Para terminar muestran que incluso la “versión moderna” de los videoclubs también está muriendo. Cuando van a robar el gran proyector que tiene el videoclub moderno del barrio descubren que el propietario lleva varios meses viviendo en la tienda porque también tiene serios problemas económicos.
El cine sobrevive gracias a lanzar superproducciones llenas de efectos especiales, internet está matando el comercio de barrio, ya nadie quiere ir hasta el videoclub para alquilar una película.
La piratería y sobre todo los servicios de streaming en Estados Unidos han acabado con este tipo de comercios.
La película que filman entre todos es su último brindis al sol, se saben derrotados pero quieren hacer el esfuerzo porque nadie les podrá quitar lo que se han divertido y aprendido haciéndola, y esos son los valores de esta película.

Han cerrado el videoclub, demolido el edificio, destruido sus películas… Y no hay ningún milagro al final de la película. Es la cruda realidad del sector e intentar maquillarlo sería ridículo; ese no es el objetivo de esta película sino mostrar la cruda realidad con humor, y eso lo logra de manera magistral.

Cine y afirmación nacionalista Americana: Nace el Western


Que el cine se ha utilizado en numerosas ocasiones como un método de propaganda política o justificación bélica lo sabemos todos.
El caso más importante me atrevería a decir que es el clásico *El nacimiento de una nación* de 1915, pero de esa película ya hablaré en un futuro.

Hoy quiero hablar de algo más importante todavía, vamos a ver como una nación se inventa su propia historia aprovechando el auge del cine y usando un género cinematográfico en concreto ¿os imagináis de cuál se trata? Seguro que sí, Estados Unidos y el Western.

Pongámonos en situación; el cine está comenzando a popularizarse, se ha logrado conquistar por fin Estados Unidos del Este al Oeste y se está poblando el continente de una forma espectacular.
Como es lógico la mayoría son emigrantes europeos, cada uno con su idioma, costumbres, tradiciones… Y llenos de desconfianza hacia sus nuevos vecinos. ¿Cómo podía solucionarse ésto?
Se necesitaba crear un vínculo entre todos, darles un sentimiento de pertenencia a una nueva nación.

La solución es un sentimiento de lucha y conquista de esa nueva tierra en la que vivían. Y ahí está el cine y el género del Western que parece creado de propio para la ocasión.

Vamos a seguir este proceso a través de una serie de películas que fueron marcando las bases de una forma clara; hoy veremos la que originó todo el movimiento *La Caravana de Oregón* de 1923 del Director James Cruze.

No es la primera película del género Wester, ni mucho menos. Este honor lo tiene el clásico *Asalto y Robo de un tren* de 1903; ésta tampoco es la primera película rodada con esa ambientación, pero sí es la primera que tiene una estructura distinguible como para dar origen a un género, también es considerada la primera película de acción.
Es muy reconocida por su escena final, en al que el actor Justus D. Barnes dispara a bocajarro al público.

La película de *La Caravana de Oregón* como tal no merece la pena mencionarla, pero sí los mensajes que envió a la sociedad Americana de la época, porque ver esta película con la visión actual es un error.
En primer lugar porque para nosotros es una película, pero en aquella época se considera un semidocumental, fiel reflejo de las aventuras de los colonos; por lo tanto, aunque es imposible, debemos intentar pensar al ver esta película que se trata de un documental.

Pero antes de comenzar, para que veáis el impacto que tuvo esta película voy a poner un ejemplo que todos reconoceréis ¿Os suena la canción *Oh Susana*? A todos nos suena el estribillo, la hemos escuchado en infinidad de películas y series; es considerada una canción infantil en Estados Unidos… ¿Por qué es tan popular esta canción?
La película arranca con un niño mascando tabaco y tocando esta canción, cuando están de celebración en la caravana lo hacen con esta canción y al terminar la película, con el típico final feliz, vuelven a hacerlo con esta canción.
La conquista del Oeste se asocia directamente con esta canción gracias a esta película.

La narrativa utilizada es el clásico hilo argumental de *La Eneida*, donde tenemos un claro líder inspirador, un océano que atravesar que en este caso es de arena y las caravanas con sus blancas telas son las velas del barco que avanza imparable hacia su destino.
Por ello se utilizan sin cesar durante toda la película muchos planos generales mostrando la magnificencia del desierto y el abrumador número de colonos que emprenden el viaje con esas interminables hileras de caravanas.

Y no podemos olvidar el texto con el que arranca la película.
*La sangre de América es la sangre de los pioneros. la sangre de los hombres y mujeres de corazón de león que tallaron una civilización espléndida de un desierto inexplorado.

Para que el público sea capaz de empatizar deben usarse unos personajes carismáticos: el líder, la chica que se enamora de él, un buen amigo y un niño fuerte y valeroso, porque sin niños que pueblen la nueva tierra el viaje no sirve de nada.
Durante la película se dedican varias escenas importantes para hacer hincapié en la importancia de los niños en esta cruzada.
La escena en la que se enamoran los protagonistas es gracias a una niña, cuando el líder se dedica a hablar con ella y le fabrica una muñeca con su guante, momento en que la chica, conmovida por la atención que dedica el líder a la niña se acerca para ayudarlo a darle un mejor aspecto a la muñeca.
La niña es la unión de los dos personajes más importantes del viaje, y esta escena será recordada en otro momento para reforzar la importancia de los niños.

Como resulta lógico de fiel documental tiene poco; imaginemos las penurias que debieron soportar los colonos.
Infecciones, deshidratación, falta de alimentos, constantes roturas de los ejes y ruedas de las caravanas, serpientes, insolación… Eso era su día a día en la película, sin embargo, representan los problemas con un ¿accidente? Ridículo con un caballo y la joven enamorada del líder, que da pie a su rescate.

La muerte sería algo habitual en estas caravanas, y en la película afrontan el tema de manera magistral mostrando un entierro y enlazan esta imagen con el doctor dando la buena noticia a unos colonos del nacimiento de su bebé. De esta forma convierten una desgracia como es un fallecimiento en el ciclo natural de la vida y la esperanza de supervivencia que son los nacimientos para poder forjar esta nueva nación.

Recordemos que la caravana; con tal cantidad de gente, con un terreno abrupto, con ruedas y ejes de madera que partirían con facilidad tenía una logística muy compleja. Teniendo que asegurarse además de que tanto gente como ganado no se dispersaban y nadie quedaba atrás.
Solo podían avanzar unos 19 kilómetros de media por día. Teniendo en cuenta que la ruta es de unos 3200 Km se estaba de viaje entre cinco y seis meses

El mayor inconveniente del terreno que encuentra la caravana es el tremendo caudal del río Platte.
Para cruzarlo piden ayuda a una tribu de indios amistosos que tienen un sistema de balsa para cruzar de forma segura, pero les piden diez dólares por cada caravana. Es demasiado y con la gran cantidad de animales y caravanas que llevan tardarían mucho tiempo en cruzar.

Un colono indica que los indios se aprovechan de la gente que no sabe e insiste en que se puede cruzar sin la balsa. Lo cual genera un conflicto y la caravana se termina dividendo en dos grupos, uno que se queda a cruzar con las balsas de los indios y otro que busca una zona menos caudalosa para poder cruzar.

El grupo que decide utilizar la balsa de los indios, al terminar de cruzar en lugar de pagarles por el servicio prestado, su líder les replica que son un puñado de salvajes a los cuales no piensa darles ni un céntimo y mata al indio que le pide el pago.
No sé como interpretaría esta escena el pueblo Americano de aquella época, pero imagino que muchos pensarían que para qué hay que pagar tanto dinero por cruzar un río. En cualquier caso si estoy seguro de que esta escena es más real de lo que nos gustaría imaginar.

Cuando están cercano de su destino comienzan a encontrar los primeros poblados y ocurre otro hecho natural, la chica se va a casar, pero no con el líder porque circularon rumores sobre que era un desertor y el padre de la chica le prohibió que se acercara a su hija.
Esta emotiva escena es utilizada para asentar el hecho de que *los colonos* son los buenos. Un indio armado con un arco y flechas teledirigidas mediante marcación láser a unos cientos de metros clava en el corazón de la novia una flecha.

Aparte asienta la creencia de lo malos que son los indios, porque a quien se le ocurre disparar a una hermosa joven vestida de novia; esta circunstancia da inicio a una resistencia épica, una defensa feroz de unas pobres víctimas que no han hecho nada salvo cruzar por ahí en buscar de un lugar mejor en el que vivir. Que los indios estuviesen ahí antes y los hayan masacrado para lograrlo no viene a cuento.

Los pobres e indefensos colonos están rodeados por los indios, porque no les han atacado y exterminado. Solo han lanzado una flecha para que se puedan preparar y que sepan que mañana, después de desayunar bien, ya les exterminarán.
La única posible salvación de los colonos sería que alguien lograse atravesar el cerco de los indios y llegar al otro grupo que se separó para que acudiesen a su rescate… Pero como indican en la película ningún hombre podría lograrlo, sólo el valiente niño que masca tabaco es capaz de tal hazaña, aquí vemos de nuevo la importancia que se da a los niños.

Cuando llega por la mañana el segundo grupo, liderados por el líder acusado falsamente, éste ve en el suelo la muñeca que realizó para una niña al emprender la marcha; nuevamente vemos la importancia de los niños y como son el cargamento más importante de la caravana, la esperanza y futuro.

Tras derrotar a los indios, gracias a la heroica actuación del niño mascador compulsivo de tabaco, la caravana unida de nuevo avanza hacia su destino final ya sin complicaciones, Oregón.
Pero es aquí, cuando ya están a las puertas, cuando encuentran su mayor obstáculo, la avaricia humana.

La fiebre del oro está en pleno auge, recordemos que duró hasta 1960, por lo que muchos colonos deciden dirigirse a California en lugar de seguir camino hasta Oregón.
¿Para qué van a trabajar el resto de sus vidas como granjeros pudiendo hacerse millonarios buscando oro en poco tiempo? Nuevamente el director hace un magnífico trabajo con los planos generales mostrando los arados que abandonan en el suelo y las caravanas dividiéndose para siempre en dos; unos hacia Oregón y los otros a California.

El líder, claro está, se dirige a California a hacer fortuna; como no podía ser de otro modo encuentra mucho oro y, siendo ya rico, se dirige a Oregón a buscar a la chica y casarse con ella.
Esta escena magistralmente amenizada por la canción *Oh Susana* tocada y cantada por el niño mascador de tabaco.

Como véis un hilo argumental que nos hemos encontrado en infinidad de películas que hemos visto después porque, yo por lo menos, hasta ahora no había visto esta película.
Y aunque para nosotros es tan solo una película, debemos ponernos en la piel de la gente que vió esto en los años 20, teniendo en cuenta que para ellos era un fiel reflejo de la conquista del Oeste, no una mera película de entretenimiento.

Pero ya iremos profundizando en este tema en las próximas películas que analizaremos de este género.

Cine y adaptaciones: ¿Robin Hood, que te han hecho?


Estamos acostumbrados a que se hagan adaptaciones cinematográficas de sagas consagradas, obras conocidas por todos. A fin de cuentas el cine es un negocio y nadie quiere arriesgar dinero.
El problema surge cuando se quiere modificar la esencia, alterar nuestros recuerdos pretendiendo convertirlo en algo que no es. Es un esfuerzo digno de alago, por supuesto, pero entonces sería mejor crear un personaje nuevo y narrar esa historia; porque es más arriesgado cambiar a un personaje ya conocido que crear uno nuevo.

Para explicar mejor este caso voy a utilizar a alguien que todos conocemos y apreciamos, Robin Hood, el ¿justiciero? Que robaba a los ricos para devolvérselo a los pobres.
Es un cuento, una fábula y a nadie chirría lo inverosímil de ella porque el relato se basa en que lo inverosímil es cierto.
Se han hecho infinidad de adaptaciones cinematográficas de ella y más o menos podría decirse que todas han tenido cierto éxito ¿por qué? Porque respetaban el espíritu general de lucha contra el poder que todos esperamos.
Incluso Disney sacó su propia versión que, debo decir, es una de las mejores adaptaciones.
También está la versión humorística *Las locas, locas, aventuras de Robin Hood*, que ridiculizando todo sigue siendo fiel al espíritu; y por el otro extremo tenemos la versión con Sean Connery, que siendo más seria también es fiel al espíritu.

Entonces ¿Por qué elijo este personaje? Por las ¿adaptaciones? de los últimos años. En concreto Robin Hood contra el Dragón del 2009 y Robin Hood de Ridley Scot del 2010. Miedo me da la que se supone que veremos pronto titulado Robin Hood Origins…

Estas dos últimas películas no son Robin Hood, son…. son…. No tengo ni idea de lo que son.
La primera es una especie de Robin Hood, al que han añadido magia porque siempre mola y ¿Dragones? Supongo que porque están de moda con todo el tema de Juego de Tronos.
Y el segundo es un Robin Hood que arranca muy bien, haciendo que tengas unas altas expectativas para, según llegas a la mitad de la película írtelas reventando a base de querer darle una profundidad y seriedad que no encajan con Robin Hood bajo ningún concepto.
Ante todo es un personaje que no se ríe ni de sí mismo y eso no es Robin Hood que, si es algo, es alguien carismático que lleva alegría donde quiera que va.
Curiosamente, si este personaje se hubiera llamado Antonio Gutierrez posiblemente hubiera funcionado.

Hacer versiones o adaptaciones no está mal, pero tened presente el espíritu del personaje y, sobre todo, respetad el trasfondo del personaje.
Hay personajes, como Batman, que se pueden modificar para añadirle matices o profundidad, porque lo que sabemos de él encaja de esta manera.
Pero Robin Hood es un personaje en el que, ante todo, tiene un núcleo central que es inalterable, es como la fábula de la liebre y la tortuga; si quieres adórnala, pero el mensaje y los personajes no se pueden tocar.

One Punch Man y el camino del héroe


En toda historia hay un héroe, aunque no necesariamente debe corresponder con la imagen que tenemos del héroe clásico.
El argumento suele girar en torno a él porque tiene una misión, debe esforzarse,dar lo mejor de sí mismo y superar sus límites para lograrlo.
A grandes rasgos es el núcleo central de toda historia, representado por los obstáculos que debe ir superando; es el llamado camino del héroe.

Si hoy os hablo de One Punch Man es porque me ha sorprendido mucho la utilización de este camino, algo que todo sea dicho de paso es muy difícil en los tiempos que corren.

La presentación es digna de mención porque no solo perfila al héroe como es lo habitual sino que muestra todo el camino: nacimiento del héroe, motivación, superación, desilusión tras lograr el objetivo y porque sigue adelante pese a ello.
Si os fijáis tanto libros como películas concluyen cuando se logra el objetivo pero ¿qué ocurre después?
Hay un refrán que dice *ten cuidado con lo que deseas porque se puede cumplir*; y eso es precisamente lo que nos cuenta One Punch Man.

Al inicio nos presentan al protagonista, Saitama, hastiado de su vida hablando con un monstruo que le amenaza. No se amedrenta porque su vida le da asco motivo por el que el monstruo le perdona la vida ya que está buscando a un niño que le gastó una broma.
Por casualidad encuentra al niño un poco antes que el monstruo y al ver como éste se disponía a matarlo decide actuar y salvar al niño… De una forma un tanto repulsiva todo hay que decirlo.

Esa experiencia le recuerda que de niño soñaba con ser el héroe más fuerte, capaz de derrotar a cualquier adversario con un solo puñetazo; retoma su sueño y comienza a entrenar.
Ese proceso también es original porque estamos acostumbrados a que sea *Tipo Bola de Dragón* donde Son Goku entrena y es muy fuerte, pero surge un nuevo rival que lo derrota y tiene que volver a entrenar y superarse para derrotarlo, de nuevo aparece otro tipo que le vence y vuelta a entrenar para ganar… Así infinitas veces; pero Saitama no, entrenó al principio y ya es el más poderoso, de hecho nunca le hemos visto entrenar.

Por si esto fuera poco hay otro tema a destacar en esta serie, que es el tratamiento de la violencia y las escenas sangrientas. Hay momentos en los que parece una película de serie B de los años 90. Pero esto no es lo curioso sino que, sin bien al principio choca y dices *qué narices es esto* cuando llevas un par de episodios no molesta.
Saitama vence a sus enemigos de un puñetazo, pero no se caen al suelo y ya está… Si alguien te mata de un puñetazo es porque te revienta literalmente y eso es lo que vemos.
Esto puede molestar en los primeros episodios; después vamos conociendo a Saitama y comprendemos que lo hace porque tiene que hacerlo. Si un monstruo está matando a cientos de personas ¿qué puedes hacer? Tienes que matarlo, no hay otra opción y Saitama hace eso como quien ficha a las siete de la mañana en una fábrica; es su trabajo y tiene que hacerlo, pero no disfruta con ello; si no es necesario matar no lo hace, nunca.
Es capaz de controlar su fuerza y en numerosas ocasiones se limita a dejar inconscientes a los maleantes porque no los considera una amenaza seria. Es el héroe más poderoso del universo, no un asesino que disfrute matando.

Al final del primer episodio es cuando nos muestran su tedio por no encontrar a alguien que pueda hacerle frente. Para él derrotarles con tanta facilidad es la misma monotonía que un trabajo normal, su sueño se ha cumplido pero está igual que al comienzo del episodio.
Por eso tenemos esa escena final en la que tiene un sueño donde se enfrenta a rivales que pueden hacerle daño y debe dar lo mejor de sí mismo para poder derrotarles.

Además su naturaleza no es la de ser un héroe, es vago por naturaleza por eso cae constantemente en el tedio y la desidia.
Cuando avanza la serie y aparece la banda de los Paradisianos, cuyo único fin es no trabajar y que el resto de personas los mantengan dice que él podría haber sido uno de ellos… de no haberse torcido en algún momento, está diciéndonos que elegir convertirse en un héroe fue una mala decisión.
Se cumplió su sueño, pero no es tal y como lo esperaba, de ahí le viene su hastío.

Pero por muy interesante que pueda parecer esta premisa no es nada por si solo, como mucho un boceto de lo que podría ser. Ademas como suele decirse el héroe es tan bueno como malo sea su Némesis y, en este caso, no lo hay porque nadie puede rivalizar con el ¿cómo se soluciona ésto? Con unos personajes secundarios magníficos y una profunda crítica a la sociedad actual magistralmente llevada.

Como todo héroe que se precie tiene un aprendiz, y el héroe más poderoso del universo no podía ser menos. Genos es un joven que estuvo a punto de morir cuando un Cyborg arrasó el poblado donde vivía matando a su familia.
Tuvo la fortuna de ser encontrado por un científico al cual le suplicó que lo convirtiese en Cyborg para poder encontrar al Cyborg asesino y vengar así a su familia y consagraría su existencia a luchar contra el mal.
Por poder, historia y personalidad es el candidato ideal para ser el protagonista; de hecho cuando alguien conoce a esta extraña pareja dan por sentado que es él quien derrota a los monstruos y Saitama uno que va con él para quedarse la fama.

Pero no solo su compañero es un magnífico personaje, cualquiera de la asociación de héroes de rangos S también sería un digno candidato a tener su propia serie.
Un ejemplo claro es Tornado, una Síquica muy poderosa que lanza un meteorito sobre un rey dinosaurio mientras discute por teléfono como quien hace garabatocf4s aburrido.
Asociación de héroes que, por cierto, existe gracias al acto desinteresado que realizó Saitama hace tres años salvando al niño del monstruo; ese niño era nieto de un millonario que al escuchar lo sucedido con su nieto decidió invertir su fortuna personal en crear la Asociación para que hubiera héroes que protegieran a los indefensos ciudadanos clasificándolos según su poder.

Pero ahora veamos un poco más de cerca al protagonista, no nos quedemos solo en su poder y sueños.
Saitama es antipático, no le importa nadie en absoluto, incluso cuando conoce a Genos y éste le narra la triste historia de su vida muestra signos de aburrimiento y le grita para que no le haga perder el tiempo y lo resuma.
Quiere estar solo, siempre intenta que Genos se marche y le deje en paz. Es un héroe y quiere que se le reconozca como tal; no pensemos que busca ser adorado o temido, esas cosas le son indiferentes.
Solo vemos que siente aprecio por Mumen Rider, un héroe de la categoría más baja, sin poderes, que va en bicicleta a todas partes pero que nunca se da por vencido y siempre está dispuesto a ayudar. Genos siente admiración por Saitama debido a su poder superior, pero Mumen Rider lo admira por lo que es, un héroe y esa admiración es recíproca porque Saitama lo reconoce como un igual, el poder que tenga cada uno es irrelevante, solo valoran la actitud.
Hay otros héroes que son conscientes del gran poder de Saitama, pero solo Mumen Rider ve más allá de eso y también ve a la persona.

Cuando Saitama entró en la asociación de héroes y descubrió que estaba en la categoría más baja y su discípulo en la más alta le dio igual. Podría haber discutido, dado una paliza a todos los que se encontraban ahí o incluso negarse a realizar las pruebas desafiando al que le saliera a su paso… Incluso Genos le dijo que eso era inaceptable y debían reclamar.
Pero entonces no sería Saitama, es un héroe según los conceptos que un niño pequeño tiene de él y no piensa traicionarlos porque se traicionaría a sí mismo, su fortaleza reside en que se impuso unas normas y obligaciones. Tan solo quería ser reconocido como héroe y lo acababa de lograr, que hubiese otros en mejores posiciones es irrelevante.

Ahora que conocemos a Saitama ya podemos hablar sobre el auténtico trasfondo de esta magnífica serie y cual es el enemigo al que debe enfrentarse.
Lo vemos de forma claro cuando un gigantesco meteorito está a punto de borrar del mapa la ciudad por completo; Saitama lo destruye de un puñetazo como no podía ser menos pero los fragmentos causan muchos daños en la ciudad.
Ahora que conocemos a Saitama sabemos que eso le da igual, había que destruir el peligro mayor y él lo hizo, no había otra opción, tiempo ni medios para hacer otra cosa.

Arreglando la ciudad dos héroes de baja categoría celosos porque Saitama comienza a escalar puestos en la clasificación intentan poner a los ciudadanos en su contra acusándole de ser un mal héroe, el culpable de que muchos de ellos hayan perdido sus casas y coches.
Ese es su verdadero enemigo, esa es la crítica a la sociedad actual; el egoísmo del ser humano que nunca está conforme con lo que tiene y menos aún con lo que les dan.
Saitama les grita que se aguanten y que él se hizo héroe porque quería serlo, no para buscar la aprobación de los demás, es un héroe y lo sabe, si los demás no saben apreciar el que sigan vivos gracias a él no es su problema.

Volvemos a encontrar una situación similar cuando el Rey del Mar llega a la ciudad matando y derrotando a numerosos héroes de la máxima categoría que le salían al paso.
Los civiles se refugiaron para estar mejor protegidos pero no sirvió de nada, derrotó a varios héroes ante ellos, dándose ya por muertos, hasta que llegó Saitama y de un solo golpe lo derrotó.

Y es en ese momento cuando vemos de que va One Punch Man, de los seres humanos, de su bajeza, su estrechez de miras, egoísmo y que solo busca hacer leña del árbol caído. Saitama es el protagonista, pero solo es la herramienta que usan para mostrarnos el verdadero mensaje
En cuanto Saitama derrota al Rey del Mar todos se tranquilizan, pero ha sido una victoria digamos poco vistosa. No ha habido lucha porque con Saitama nunca la hay, solo se acercó a él, le dio un puñetazo y explotó, como es lo habitual.
Un hombre comenzó a decir que si solo hacía falta un puñetazo es que el monstruo no era tan fuerte, que los héroes a los que había derrotado antes eran unos flojos que no servían para nada.
Recordemos que eran héroes que se habían jugado la vida por ellos, delante de sus propios ojos y que podrían haber huido y abandonarlos a su suerte…
Saitama no puede tolerar eso, es un héroe al igual que los derrotados, dice que ha tenido mucha suerte, que el monstruo ya estaba debilitado por luchar contra los otros héroes y que su único mérito ha sido llegar tarde; renuncia a la gloria para salvar la honra del resto de héroes.

Ahí vemos el auténtico rostro tanto de los meros seres humanos como de los auténticos héroes. Y Saitama es el máximo exponente tanto de unos como de otros, porque él solo es héroe por trabajo, el resto del tiempo es un ser humano más.
Con este mensaje concluye la primera temporada del Anime, con unos magistrales últimos episodios para enfatizarlo.
Una descomunal nave llega la ciudad y comienza a destruirla, un formidable guerrero pone en Jaque él solo a un nutrido grupo de héroes de la máxima clase mientras Saitama se interna él solo en la nave y destruye a decenas de ellos hasta lograr encontrar al líder.
Este le cuenta que ha ido buscándolo, que durante mucho tiempo estuvo viajando por el universo asolando planetas buscando a alguien que pudiera hacerle frente y que un vidente le auguró que sería en este planeta donde lo encontraría, por lo cual ha estado viajando durante años, escuchando a sus súbditos decir que el mensaje era falso.

Un temible guerrero, que ha asolado planetas y galaxias enteras buscando un rival digno ¿nos suena? Es lo que podría ser Saitama, porque solo sueña con encontrar a alguien que le haga esforzarse, que le obligue a dar lo mejor de sí mismo y así poder volver sentir emociones, recordar lo que es estar vivo y ser humano.
Porque en el primer episodio Saitama se preguntaba si no habría renunciado a ser humanidad por conseguir ese gran poder que tiene.

Durante la lucha su rival disfruta, puede usar todo su poder y lanzar sus mejores ataques.
Pero cuando es derrotado se lamenta de que no ha tenido ninguna oportunidad, que Saitama le ha dejado jugar. Y es así, porque Saitama se ve reflejado en él, comprende el viaje que emprendió para encontrar un rival digno porque él mismo sería capaz de hacerlo, es el sueño que vimos en el primer episodio.
Y es al finalizar este combate cuando surge de nuevo el enemigo de Saitama, los celos, el orgullo, la imagen pública, el qué dirán…
Uno de los héroes que solo se preocupa pro su imagen pública acusa a los héroes que se han estado jugando la vida de ser unos ineptos, de perjudicar la imagen de los héroes… Nuevamente no importa a nadie que se jugasen la vida o que hiciesen todo lo que pudieran.

Y eso es One Punch Man, una serie de héroes de verdad, con muchos personajes entrañables y profundos que a golpe de chiste nos perfilan las debilidades del ser humano.

Libro Vs Película: El nombre de la Rosa


No lo cuentes, muéstralo; es una máxima cuando se cuenta una historia, ya sea una novela, película o incluso un cuento oral.
Es inaceptable tener que explicar lo que debe pensar o sentir el receptor, las acciones de los personajes deben hablar por sí solas.

Cada género tiene su propio lenguaje; lo que funciona en una novela no sirve para un libro ni para un relato oral. Cada uno tiene sus propias reglas y fórmulas.
Para comenzar a explicar las diferencia he elegido *El nombre de la rosa*, porque tiene una novela magistral y unan película muy buena con una trama central distinta de la novela y, pese a ello, es una adaptación muy buena ¿curioso verdad?

Es la primera novela de Humberto Eco, no su primer libro. Previamente había publicado el trabajo con el que obtuvo el Doctorado de filosofía y varios estudios de Semiótica cuando era profesor en la Universidad.
Cuando se supo que estaba trabajando en una novela causó gran revuelo y la editorial con la que ya había publicado preparó una gran campaña publicitaria y una presentación a nivel mundial.

Si preguntamos en la calle por *El nombre de la Rosa* muchos la conocerán y nos dirán algo similar a *La película de Sean Coonery que hace de monje tipo Sherlock Holmes*.
Muchos de ellos comprarian la novela pensando *Si la película me encantó la novela tiene que ser increíble*, pero tras comenzarla la dejaron un momento en la librería pensando *ya le leeré en otro rato* y ahí lleva treinta años esperando ese mejor momento.

Esto no significa que la película sea mejor que el libro, ni mucho menos, simplemente muestra que literatura y cine utilizan lenguajes muy distintos y públicos aún más distintos.

Humberto Eco era un erudito y publicaba libros muy específicos. No quería escribir una novela para las masas, de hecho quería hacer una tirada limitada, fue la editorial la que vio la posibilidad de ganar millones y preparó una campaña internacional enorme.
Incluso le dijeron que debía reescribir las primeras cien páginas porque eran muy densas y difíciles de leer pero él se negó argumentando que era el peaje a pagar para entrar en la Abadía, que no era una historia para todo el mundo.

Quería que el lector formara parte de la abadía, que viviese con los monjes y eso requiere una minuciosidad que no todos los lectores pueden soportar.. Esto es palpable incluso en como está dividida la novela.
Los capítulos son días de la semana, algo que ya hemos visto en más ocasiones, pero cada día está fraccionado por las oraciones que se deben realizar; para que el lector coja el ritmo y se habitúe al día a día de los monjes, una genialidad que me fascinó.

Pero la película utiliza el lenguaje visual, por lenta que sea es más dinámica y se queda con una trama que engancha desde el primer momento; por ello es fácil de resumir y explicar *Un monje investiga unos extraños asesinatos relacionados con un libro y una biblioteca laberíntica*.
Sin embargo ¿Cómo os describo la novela? Es una novela histórica usada para presentar una serie de debates filosóficos y teológicos muy profundos en la que se nos muestra el abuso de poder y la separación que sufrió la iglesia católica enlazado todo mediante una investigación sobre unos asesinatos relacionados con un libro y ….. y creedme que no sé como resumiros la novela.

Por ello lo mejor será centrarnos en la película y, siguiéndola, pondremos unos ejemplos de las virtudes y carencias tanto de la novela como de la película. Porque creedme si os digo que esta es una de las mejores películas para ver estos contrastes.

Ambas arrancan presentándonos las dotes detectivescas de Guillermo, pero lo hacen de una forma muy distinta.
En la novela emplea un escenario muy complejo con el rastro de un caballo, pero para ello incluso da una lección de filosofía; ahí deja claro que va a ser una novela apasionante pero no apta para todos los públicos.
Sin embargo en la película son unas pocas frases rápidas y directas las que nos descubren su talento y, muy importante, nos muestran que es capaz de conocer un sitio sin necesidad de estar en él.

A partir de ese momento ya vemos que la película es distinta a la novela por necesidad del lenguaje cinematográfico.
En la novela nos presentan a los personajes con eternos diálogos en los que se habla de lo humano y lo divino, teología o el sentido de la responsabilidad y lo correcto.
Nos presentan diversas facciones de la iglesia y constantemente se espera la llegada de una legación papal para un importante debate que decidirá el futuro de la Iglesia; es una parte fundamental de la novela, pero en la película se ha usado como simple hilo conductor.

Una de las mayores críticas que recibe la novela es el excesivo tiempo que se toma para presentarnos tanto la Abadía como los que la habitan; hablan de la biblioteca indicándonos que es un sitio prohibido y peligroso custodiado por monstruos y espectros por las noches.
Pero esto es necesario porque la Abadía es el personaje protagonista, no Guillermo y la biblioteca su tesoro oculto al cual protege utilizando a los monjes como meros peones.

En la película optan por que el tesoro sea el mismo, la biblioteca, pero la intentan ocultar y hacer insinuaciones para que el espectador vaya pensando en como poder entrar.
También se toma su tiempo en presentarnos a los personajes; la primera media hora de la película es la presentación y como no tiene otra herramienta, debe hacerlo remarcando el aspecto visual.
Un claro ejemplo es el ayudante del bibliotecario cuando nos lo presentan en una impactante escena en la que está en su habitación flagelándose. No hay que pensar mucho en el mensaje que nos quieren transmitir, de esta forma van preparando el terreno para que todos los sucesos posteriores nos vayan encajando.

Veo justo hacer una mención especial a la escena de la misa en la que el venerable Jorge marca el ritmo a base de golpes en la mesa. Con esa escena dejan claro el poder que ejerce en la Abadía pese a no ser el Abad. Al igual que cuando interrumpe una charla amistosa rompiendo de un golpe un jarro; son escenas que hablan por sí solas.

Guillermo es utilizado como el guía, a través de su ayudante Adso nos va presentando a los protagonistas y con ellos la historia, no solo de la Abadía y el misterio, sino también los conflictos internos que ha tenido la iglesia católica, el avance del pensamiento moderno, el peligro de la inquisición….

En la novela Adso es el narrador, además de una forma muy original porque comienza siendo anciano para narrar en retrospectiva y cuando es más conveniente en primera persona como joven aprendiz para que sea Guillermo quien pueda explicarnos las cosas.
El tratamiento que se le da en la película es de mero trámite, un apoyo en el que Guillermo hace pie para avanzar.
Con este personaje vamos a hacer un buen ejercicio de diferenciación entre lenguaje cinematográfico y literario porque nos muestran los mismos pasos, pero al utilizar un lenguaje visual el espectador debe ser muy experimentado para poder seguir las indicaciones.

Adso es un joven novicio con las hormonas revolucionadas por la adolescencia y multiplicado por el hecho de no haber tenido nunca trato con mujeres. Siempre yendo de un monasterio a otro como novicio para formarse y teniendo a la mujer como la causante de que el hombre peque.
Está lleno de dudas y no encuentra como satisfacer su curiosidad ni atreviéndose a hablar con ningún adulto del tema; en la rica Abadía hay numerosos murales y esculturas de vírgenes y le gusta contemplarlas preguntándose como serían y, si ayudaron a Jesús ¿no podían ser tan malas verdad?
Al descubrir como entrar en la biblioteca con Guillermo, una noche desesperado se interna solo para buscar información sobre el tema y es al salir cuando tiene lugar la escena que quiero usar como ejemplo de diferenciación en literatura y cine.

En la novela Adso se encuentra a una muchacha sola y muerta de miedo, quiere calmarla y ayudarla pero no hablan el mismo idioma. Aquí Humberto hace una gala extraordinaria de sus amplios conocimientos de Semiótica. Adso prueba con los idiomas que conoce, al hablarle en Alemán ella se asusta por la rudeza del idioma así que vuelve al latín y le susurra, camina a gatas lentamente para que vea que no es una amenaza y no deja de hablar pausadamente para transmitir confianza y calma.
Ella también murmura palabras, se aproxima despacio, al estar cerca se miran a los ojos y susurrándose ella le acaricia la cara, se besan y hacen el amor.
Es una escena muy bonita, cargada de significado y un cambio muy importante para el personaje.
Ahora siente remordimiento y amor, sabe que ha pecado pero ha sido una experiencia tan maravillosa que no entiende porque puede haber algo malo en ello.
Se confiesa con su maestro y da pie a que Guillermo le hable de la bondad y la comprensión, que al conocer ese goce y dicha podrá comprender en el futuro a jóvenes novicios que pequen como él.

Sin embargo ¿qué vemos en la película? Hemos seguido esos mismos pasos, pero al no tener la mente de Adso explicándonos sus dudas y sentimientos nos lo debemos imaginar.
Y en la cocina lo único que vemos es una chica que se encuentra con un novicio joven, le manda callar porque un cura la está buscando y cuando se marcha le agarra y básicamente *Ven aquí moreno que te voy a dar lo tuyo*. Es una escena de sexo sorprendentemente explícita para una película de cine y más aún de aquellos años. Además es muy larga, demasiado larga.. Y el espectador lo único que veo son tetas y culos sin ningún mensaje; habiendo tetas y culos ¿quién se va a poner a pensar? En lugar de aportar, como hace en la novela, resta y entorpece.

Otra gran diferencia es el tratamiento que se hace de la legación papal; gran parte de la novela se basa en la preparación para su llegada. El miedo de varios monjes con pasado Dulcinsta y en explicarnos los bandos que hubo, porque actuaron como lo hicieron, el poder que tenía la iglesia y el hambre que pasaban los pobres que les dio valor para alzarse en armas.
Con todo esto se explicaba el debate que se iba a tener sobre la pobreza, la pobreza de Jesús y porque se planteaba si la iglesia debía ser pobre.
En la película se da alguna pincelada, pero eran conscientes de que era imposible y actuaron en consecuencia.
Se aprovechó la reunión para dar profundidad a Guillermo contando su pasado de Inquisidor y su oposición a este cuerpo ejecutor. Además añaden un conflicto con el Inquisidor que viene como parte del grupo y que debe encargarse de resolver los asesinatos ya que Guillermo no lo ha conseguido todavía.
En la novela explican su pasado con la Inquisición y que no creía en ella, alegaba que un hombre sometido a tortura diría cualquier cosa para que lo matasen de una vez, pero no se dice nada de que él fuese torturado como si se hace en la película porque crea un efecto instantáneo sin tantos circunloquios.
Esto en la película lo resumen bien durante el juicio, pero queda tan simple que el mensaje es demasiado obvio y se pierde el debate por lo que al espectador le es indiferente.

En la película el juicio parece un chiste; no es culpa de nadie porque la escena está lo mejor resuelta posible. Se opta por añadir dos jueces adicionales como recurso dramático con el que darle a Guillermo la oportunidad de perfilar mejor su personaje dándole humanidad
No se argumenta y da la sensación de que cualquiera podría hacer de juez, solo tienes que acusar y en cuanto lo niegan se manda que te torturen hasta que confieses.
En la novela se puede ver que los inquisidores son hábiles interrogadores, tuercen las declaraciones, argumentan hasta conseguir que se contradiga el interrogado, siempre están calmados haciendo que el interrogado se ponga aún más nervioso y tienen una mente ágil que les permite ir cambiando de tema para confundir aún más a los interrogados. Eran personas muy inteligentes y hábiles en su trabajo.
Eso no se podía mostrar en la película, duraría demasiado y sería tedioso, además es secundario en la película por lo que el trabajo de adaptación es bueno, pero se pierde el mensaje.

Pero todas estas pérdidas que estoy mencionando en la película ayudan a un personaje de forma clara, Guillermo, el persona en torno al cual gira la película.
La escena de sexo de Adso permite que el espectador comprenda su frustración al ver como su amada es apresada y va a arder en la hoguera.
Cuando nos muestran a Adso nervioso mientras Guillermo sigue leyendo y explota increpándole su frialdad, Guillermo le explique el motivo y muestre ahí su humanidad, algo que le recriminaron a Humberto por no dar en ningún momento de la novela muestras de ella.

Al final del juicio, al pedirle el inquisidor que ratifique su veredicto el aprovecha para dar un pequeño sermón en defensa de los acusados condenándose él mismo a un nuevo juicio inquisitorial.
Lo cual a la trama aporta poco pero al personaje mucho, hace que caiga mejor al espectador y encaja mejor en el arquetipo de héroe dispuesto a sacrificarse para ayudar a los injustamente castigados.

En este momento ya no llevan caminos paralelos sino totalmente opuestos. La novela es realista por lo que el Inquisidor se marcha con la muchacha y la legación papal sabiendo que en la primera ciudad la quemarán para dar ejemplo. Se cuenta de una forma natural y tan clara como que al día siguiente por la mañana saldrá el sol porque era así en esa época y no había nada que hacer.
En la película eso es inaceptable por lo que se aprovecha el revuelo creado por Guillermo para acelerar el desenlace y que el fuego que arrasa con la Abadía sirva como distracción para que la muchacha se salve y, de paso, que el Inquisidor sea liquidado por el pueblo dando ese toque que tanto gusta al espectador de cine para irse con un buen sabor de boca.

En la película hemos tenido un misterio desde el primer momento, unos personajes claramente definidos, un tono histórico atrayente y un desenlace típico que satisface a todos.
Es una buena historia rápida con mucho trasfondo y personajes memorables; por eso gustó y sigue gustando y la gente la recuerda con cariño.
La novela es un tratado histórico, filosófico, teológico que la gran mayoría no puede terminar de leer porque les resulta infumable; sin embargo ese pequeño porcentaje que Humberto sabía que solo podrían terminar lo recordamos como uno de los mejores libros que hemos leído, aunque pocas veces podremos releer nunca lo olvidaremos.

Película Vs Libro: Taran y El Caldero Negro


Buscando hacer algo distinto me ha dado por analizar novelas y películas que veo, incluso series todo sea dicho de paso.

Siempre es algo que me ha gustado, mirar la profundidad de un personaje, como se desarrolla la trama en torno a él, los giros de guión y el camino que sigue cada personaje y ver si tiene un orden lógico.

Además es una forma maravillosa para aprender a manejar el magnífico programa Final Cut X, que decidí a principio de año ponerme con él  aún no he tenido ocasión de hacerlo.

Para esta primer prueba piloto eh elegido Taran y El Caldero Negro, una película de Disney muy olvidada, o mejor dicho que Disney se ha esforzado mucho en que olvidemos.

Hablo sobre los protagonistas, el villano, el argumento que sigue la película, como son los personajes en la novela y porque, independientemente de que se parezca a la saga literaria o no es un desastre de película.

Se que es algo muy distinto a lo que he realizado normalmente, pero espero que os resulte interesante y me dejéis vuestros comentarios.